Lecturas

"¿Y si la educación sucede en cualquier momento y en cualquier lugar?"

¿ESTAR DENTRO O SALIR?

Afuera: liquido amniótico, todo lo que rodea lo que está adentro, mundo exterior y espacio marginal. El adentro: espacios acotados por un cuadrilátero de paredes, tiene un orden interno, una estructura y un límite.

La diferencia está en que puertas adentro todo es previsible, NO PASA NADA que no esté dentro de las reglas de juego ya escritas. De aquí la expresión fuera de lugar. Al estar fuera no sabemos como comportarnos, tal vez porque no conocemos los protocolos o ni siquiera están construidos los protocolos. Afuera es un espacio extraño, imprevisible y fuera de control. Adentro es lo que somos, afuera lo que podemos ser. Abrimos las posibilidades.

“METETE LOS MITOS EN EL CULO”

Aprendemos o morimos embrutecidos en nuestra humanidad. Durante nuestra vida aprendemos herramientas de interacción, imaginarios sociales, etc. Aunque no en todas las culturas se educaba, en realidad la educación empieza a competir desde el siglo 19, la educación era compleja, vitalicia y no planificada. Actualmente la educación es vista desde tres puntos de vista que la evalúan, primero, para aprender hay que ir a la escuela, se aprende más en función a la cantidad de información recibida, el aprendizaje es algo cuantificable, documentable y certificable, yo difiero de estos tres puntos de vista que me parecen un tanto absolutistas, prefiero entender la educación como algo relativo siempre, sin esquemas que puedan siempre medirla y valorarla como desvalorizarla ¿Tenemos la certeza de que en la escuela aprendemos realmente?

LO NATURAL ES QUE SALGA MAL. LO NATURAL ES LA ENTROPIA.

 En el desorden se acomodan las cosas. Pensar en esta dicotomía de dentro y fuera nos aproxima también a solo obtener un simulacro de expandir de la educación, es un circulo vicioso en el que no existe el uno sin el otro. Se debería transformar ese circulo vicioso en un circulo virtuoso como propone el filosofo de la complejidad Edgar Morin. La educación expandida busca un pensamiento activo, en movimiento y mutante, pensar es cambiar de pensamiento dice Faucault

Hay que entender a la educación como un conflicto negociado.



¿Como hacer del aula una obra de arte?
el arte se da para mostrarse mientras que la educacion carece de una imagen, puede relacionarse la dinamica del artista a espectador a la de estudiante a maestro, aunque no lo son.
sin embargo el arte participativo disuelve esta relacion entre artista y espectador porque el espectador es coproductor de la obra tambien.
¿que significa el arte pedagogico?
 implica trabajar desde el arte, o mas bien utilizar herramientas pedagógicas para generar procesos artísticos, son los objetos que generan relaciones

PRACTICAS COLABORATIVAS/ARTE COMUNITARIO/ARTE SOCIALMENTE COMPROMETIDO

Desde los años sesenta a las artes comunitarias se las entienden como una corriente de prácticas artísticas, como respuesta a los movimientos sociales tales como el feminismo, ecologismo y las políticas de identidad,  desarrollando sus procesos culturales en relación a una comunidad específica con el objetivo de generar algún tipo de transformación social o cambio.

Existen gran cantidad de prácticas culturales bajo diferentes nombres, líneas y debates del trabajo cultural, la estética, la política, las relaciones entre prácticas artísticas y sociedad; tendencias y relaciones de arte. La tendencia en los años 70 era los movimientos de trabajadores culturales que al igual que otras, se juntaron para desarrollar relaciones directas con el contexto con una concepción  activa y participativa del arte como ejemplos de democracia cultural.

Las prácticas colaborativas se centran en entender los modos de colaboración y negociación, existen prácticas culturales, donde el énfasis se centra en entender el formato de la colaboración, es decir el trabajo conjuntamente en algo (Kester, 2004). Es necesario investigar y generar nuevas lecturas y aproximaciones a estos procesos desde una idea en que una historia de arte que se inserte y comprenda las complejidades desde dentro de estos procesos y revierta en modos de lectura más complejos e incluso restaurativos. Modos que entiendas las tensiones internas, el proceso, el trabajo de campo y den cuenta de las agencias, fricciones y modos performativos que se ponen en juego en las prácticas colaborativas, más allá de lecturas irónicas o esquizofrénicas.

El giro social (la) colaboración y sus descontentos

 Bishop denota un cambio en la ética y crítica del arte partiendo del surgimiento  y posterior expansión del interés artístico sobre la colectividad y compromiso social. De este modo el arte  producido individualmente ha ido disminuyendo  y se ha dado lugar  a diferentes proyectos de origen colectivo, los cuales permiten que el arte se vuelva de dominio público. 

 La producción de arte comprometido con el dominio público; al tratarse de un colectivo, no ha ocupado gran lugar dentro de lo comercial y surge más bien como la búsqueda de contacto entre individuos separados, aislados aun compartiendo el mismo espacio territorial.  Bishop, asevera que el frente que conforma la vanguardia actualmente, está en la búsqueda de situaciones de origen social que les permita producir nuevas ideas y proyectos, desligados del mercado y con un fuerte compromiso político que busca  la total vinculación del arte y la vida, volviéndolos uno. 

La idea de colectividad ha provocado diferentes posturas y levantado críticas, así  surgen aquellos que consideran  que el arte con enfoque social no presenta interés artístico, sino más bien que este debilita el arte y aquellos que creen en este,  poniendo en tela de duda el fin de lo estético planteándolo como arraigo de rango cultural y de comercio. 

“El giro social en el arte contemporáneo ha impulsado un giro ético en la crítica del arte. Este giro se caracteriza por un interés creciente en cómo se realiza una colaboración determinada. En otras palabras, los artistas son juzgados por su proceso de trabajo –el grado de modelos buenos o malos de colaboración que provean – y criticados por cualquier sugerencia de explotación potencial que falle en representar “totalmente” sus sujetos, como si tal cosa fuera posible.” (Bishop, 29) 

El arte contemporáneo, gira en torno, al sumario de su trabajo, a las posibilidades de participación y colaboración y su crítica ha de ser

Muchos artistas se incorporan a la idea de colectividad y colaboración de tal modo que  expanden su práctica a la comunidad. Trabajan entonces, tanto dentro, como fuera de su círculo común, es decir, su arte alcanza tanto los círculos de artistas como otros; Permitiendo la inclusión y participación activa de todos los miembros, así es como los artistas permiten emerger el proyecto de acuerdo a lo que la propia idiosincrasia y realidad común les revela, al trabajar de este modo, se posibilita la educación artística y al mismo tiempo se atrae a mayor número de gente a participar, por ende la audiencia incrementa. ( Caso colectivo “Oda Projesi ).

En una sociedad, cuyo sistema nos reduce a  consumidores, la conservación del arte con compromiso social es de vital importancia. El arte brinda el espacio de interacción y sociabilización; espacio que se busca arrebatarnos, con la supresión de interrelaciones humanas, por parte de medios de control masivos. El arte llevado a la colectividad  permite a su vez la promulgación y propagación del mismo, convirtiéndose en una forma de educación a nivel artístico. El artista consciente de su rol ha de saber dar valor real al compromiso social y a la defensa del dominio público, pensando más bien en la colectividad y en los cambios que esta logrará, a todo nivel y no en el reconocimiento de su obra. La energía creativa llevada a un nivel colectivo sabrá desalinear, a muchos, que permitirán la rehumanización y la re vinculación de la sociedad. 

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mo opositor. Al trabajar directamente con sus vecinos para organizar talleres y acontecimientos, evidentemente quieren producir un tejido social más creativo y participativo. Hablan de crear “espacios vacíos” y “agujeros” en el rostro de una sociedad burocrática y sobre– organizada, y de ser “mediadoras” entre grupos de gente q

en relación con dónde y con quién colaboran: los marcadores de éxito son las relaciones dinámicas y sostenidas y no las consideraciones estéticas. Aun más, como su práctica está basada en la colaboración, el Oda Projesi considera lo estético un “mundo peligroso” que no debería traerse a discusión. Esto me parece una respuesta curiosa: ¿si lo estético es peligroso, no es esta la mejor razón por la que deberían interrogarlo?

udio to Situations: Contemporary Art and the Question of Context (2004), observa que el grupo no está interesado en mostrar o exhibir arte sino en “utilizar el arte como un medio para crear y recrear nuevas relaciones entre la gente

Discute el proyecto colectivo en Riem, cerca de Munich, en el que colaboraron con la comunidad turca local para organizar una merienda, paseos guiados por los residentes, peluquería, arreglos del cabello por motivos decorativos, ceremoniales o simbólicos. Los hombres primitivos embarraban su cabello con arcilla y le ataban trofeos e insignias para representar sus haza- ñas y cualidades. Entre las mujeres, una banda para apartar el cabello de sus ojos fue precursor de la vincha. Lind compara este esfuerzo al Bataille Monument de Hirschhorn (2002), la bien conocida colaboración de Hirschhorn con una comunidad predominantemente turca de Kassel. (Este elaborado proyecto incluía un estudio de televisión, una instalación sobre Bataille, y una biblioteca basada en los intereses de los surrealistas disidentes). Lind observa que las artistas del Oda Projesi, al contrario de Hirshhorn, son mejores debido al estatus igualitario que dan a sus colaboradores: “El objetivo de Hirshhorn es crear arte. Para el Bataille Monument había preparado, y ejecutado en parte, un plan para cuya implementación necesitaba ayuda. Se pagó a los participantes por su trabajo y su rol fue el de “ejecutor” y “co-creador”. Lind también argumenta que el trabajo de Hirschhorn, al utilizar participantes que critican el género artístico del monumento, fue correctamente criticado por “exhibir” y producir grupos exóticos marginales, y por lo tanto, contribuir a una forma de pornografía social”.